Les artistes présents dans les Live Recordings 2026

La page officielle SoundCloud du festival liste les 17 performances suivantes :

• Ayzoman
• Baalti
• Ben Sims
• Benedikt Frey & NVST (b2b)
• Blood of Aza
• Deena Abdelwahed
• Dinamarca
• DJ Babatr
• DJ Fuckoff
• DJ Gigola & Busy P (b2b)
• Edna Martinez
• Helia Kiani
• Miley Serious & Hyas (b2b)
• Nati Boom Boom
• Nesa Azadikhah & Sina XX (b2b)
• Rødhåd & Tauceti (b2b)
• Sonia Calico

Une playlist dense de 30h38 de musique, accessible gratuitement, qui permet de revivre l’énergie des scènes lyonnaises.

Cap sur la 24e édition en mai 2027

 Arty Farty : un écosystème culturel en mouvement

Une communication volontairement épurée

Le mail ne contient ni programmation, ni éditorial détaillé. Il s’agit d’un signal, d’une ouverture de cycle :

• les captations 2026 sont disponibles,
• la machine 2027 est lancée,
• l’écosystème Arty Farty continue de s’étendre.

Une manière de maintenir le lien avec la communauté tout en laissant planer le mystère sur les annonces à venir.

🟧 Liens officiels

• Playlist SoundCloud : Live Recordings — Nuits sonores 2026
• Site du festival : nuits-sonores.com
• Contact : bonjour@arty-farty.eu

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Un single né d’une réflexion intime

Jim Kerr raconte avoir composé Beginner Boys en observant ses petits-fils jumeaux grandir. Une scène familiale qui l’a conduit à s’interroger sur ce que signifie élever un homme bon aujourd’hui, dans une société où les signaux sont souvent contradictoires. Le morceau dégage une euphorie douce, mêlant force, tendresse et une forme de sagesse moderne.

Quatre ans après Direction of the Heart, Simple Minds dévoile un album conçu sur la route, nourri par l’énergie de leur tournée mondiale 2025 – plus de 1,5 million de spectateurs. Inspirés par la réaction du public à leurs titres des débuts, Kerr et Burchill renouent avec une esthétique art‑rock / new wave, tout en conservant la clarté éthérée qui caractérise leurs productions récentes.
Composé de huit titres, Sacrosanct explore la mythologie (Elysium), les zones d’ombre (King Of The Underworld), la vision d’un monde meilleur (Jerusalem – State of Mind), l’amitié indestructible (Our Secrets Are The Same) ou encore le pouvoir salvateur de la musique (Songs). Les deux derniers morceaux, “Alive In This Moment” et “The Next Right Thing”, abordent la nostalgie sous deux angles opposés : vivre le présent ou accepter le passage du temps.
Jim Kerr résume l’esprit du projet :

« Après près de cinquante ans à écrire des chansons ensemble, ce n’est plus seulement une carrière. C’est devenu quelque chose de l’ordre de la foi. »

Une tournée mondiale en 2027, avec plusieurs dates en France

Simple Minds repartira sur les routes en 2027 avec une tournée internationale majeure. En France, le groupe se produira :

• 9 avril – LDLC Arena (Lyon)
• 10 avril – Accor Arena (Paris)
• 11 avril – Le Galaxie (Amnéville)
• 13 avril – Zénith Nantes Métropole (Nantes)
• 14 avril – Arkéa Arena (Bordeaux)

Un rendez-vous immanquable pour les fans d’un groupe qui, après cinq décennies, continue de réinventer sa propre légende.

Simple Minds sont des pionniers de la musique depuis 40 années étincelantes. Capturant l’esprit de l’ère post‑punk, à une époque où les sons rageurs de 1977 se fragmentaient en une multitude de formes nouvelles, ils ont émergé avec un style enraciné dans l’art‑rock de David Bowie et la dance électronique de Donna Summer. Ils sont ensuite devenus l’un des grands groupes de leur génération, déployant des refrains fédérateurs et des atmosphères puissantes pour créer une bande‑son qui a traversé le temps.

Ils ont atteint la première place du classement américain avec Don’t You (Forget About Me), puis ont fait de même au Royaume‑Uni avec l’EP Ballad Of The Streets (qui contient Belfast Child). Avec plus de 60 millions de disques vendus, trois de leurs vingt albums studio ont atteint la première place des charts britanniques : Sparkle In The Rain, Once Upon A Time et Street Fighting Years. Leur album live Live In The City Of Light et la compilation Glittering Prize ont également été numéro un.

Groupe de scène captivant, ils ont joué dans les plus grands stades du monde. Ils ont marqué Live Aid et donné trois concerts mémorables à Londres en hommage à Nelson Mandela. La dernière décennie a été marquée par une résurgence remarquable, leurs qualités de classe mondiale étant saluées par un Q Magazine Inspiration Award en 2014 et un Ivor Novello Award en 2016.

Ils célèbrent désormais leur 40e anniversaire avec une tournée mondiale, un album live et une compilation retraçant toute leur carrière.

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La Rue Kétanou & Les Ogres de Barback

 

Été 2026

Automne 2026

Tournée 2027

Réalisation : Bruno Rascão LE CAPITAINE DE LA BARRIQUE Paroles : Florent Vintrigner Musique : Florent Vintrigner et Olivier Leite

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Dans cette chanson, son expérience de compositrice de musique de film rencontre une écriture personnelle et intuitive. L’arrangement, captivant et aérien, rappelle une musique de film, tandis que les paroles poétiques et introspectives donnent toute sa profondeur au morceau. Le piano d’Erella dialogue avec la guitare d’Ivan Cebrian, la contrebasse de Miquel Alvarez et la batterie de Joshua Wheatley.
 

Après « Souvenirs », « Quand je chante » offre un nouvel aperçu de Héritages, un album inspiré par les héritages multiples de l’artiste. Les chansons, interprétées en français, en hébreu et en judéo-espagnol, feront dialoguer Orient et Occident, poésie et sonorités méditerranéennes.
 

Pour présenter ce nouveau répertoire sur scène, Erella sera au Sunside à Paris les 23 septembre, 29 octobre, 26 novembre et 17 décembre 2026 à 21h30. Accompagnée de son piano, du oud, de la trompette, de la contrebasse et des percussions, elle fera découvrir les chansons originales de son futur album.
 

Les places sont disponibles sur le site officiel du Sunside .
Avec la vidéo de « Quand je chante », Erella donne ainsi un avant-goût sensible de Héritages, avant ces quatre rendez-vous parisiens qui permettront d’en découvrir l’univers en live.

Crédits vidéo — “Quand je chante” (Erella)

Voix & piano : Erella Atlan Guitare : Ivan Cebrian Contrebasse : Miquel Alvarez Batterie : Joshua Wheatley
Composition, paroles, arrangement & réalisation : Erella Atlan Son, mixage & réalisation sonore : Ricardo Osorno Enregistrement : El Spot Studio — Manu Linois & Roni Ayala Prises additionnelles : Studio La Chaufferie (Bagneux)
Vidéo & photos : El Spot Studio Montage vidéo : Erella Atlan

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Le quintet dévoile cette année deux extraits de son prochain album Rejoice (An Inventory Of Pop Maps), dont la sortie est prévue le 25 septembre 2026.

 

« Made Up » – Single 2 (sorti le 3 juin 2026)

« Too Much Too Fast Too Soon » – Single 1 (sorti le 15 avril 2026)

 

Tahiti 80 sera sur les routes à partir d'octobre 2026,
avec plusieurs dates majeures :

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Un morceau suspendu, entre mélancolie et respiration

“Les Temps Perdus” s’inscrit dans la lignée des compositions les plus sensibles de Cascadeur. La production, délicatement électronique, laisse filtrer une voix fragile, presque murmurée, qui évoque par instants l’élégance intemporelle de Christophe. Le morceau avance comme une confidence : une mélancolie lumineuse, jamais pesante, où chaque silence devient un espace de résonance.

Une lyric‑vidéo comme voyage intérieur

Pour accompagner ce premier extrait, Cascadeur propose une lyric‑vidéo réalisée par Ludovic Houplain et produite par H5. Le clip joue sur les échelles, les vitesses et les couleurs, dessinant une déambulation entre rêve et imaginaire. On y retrouve cette esthétique contemplative chère à l’artiste : un univers graphique qui ne cherche pas à illustrer, mais à prolonger l’émotion du morceau.

Un artiste à part dans le paysage musical

Derrière son casque blanc à étoile rouge, Cascadeur — Alexandre Longo — continue de tracer une trajectoire singulière. Depuis The Human Octopus jusqu’à Revenant, en passant par Ghost Surfer et Camera, il façonne une musique où se mêlent piano délicat, harmonies aériennes et introspection. “Les Temps Perdus” s’inscrit dans cette continuité, tout en ouvrant une nouvelle parenthèse plus intime, entièrement interprétée en français.

Un EP pour un nouveau chapitre

Attendu le 27 novembre, l’EP Les Temps Perdus réunira :

• deux compositions originales,
• les inédits “Orage Violent” et “Que reste‑t‑il ?”,
• une version piano du morceau éponyme.

Un projet court, mais dense, qui semble vouloir capturer ce qui demeure lorsque tout s’efface : les traces, les voix, les instants.

Crédits de la lyric‑vidéo Lyrics & music : Alexandre Longo Mastering : Benjamin Joubert / Biduloscope Published by : Universal Music Publishing – Parachute! Video director : Ludovic Houplain Video production : H5

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THE NIGHT :
un premier EP comme une traversée

 

“On n’écoute pas cet EP. On s’y perd.”

Concerts à Paris :
une rentrée lumineuse

 

• 10 juillet — L’Échappée Festival @ 6MIC | Aix-en-Provence (13) — Gratuit
• 13 juillet — Festival Off Avignon – LMSL @ Théâtre des Vents (TDV) | Avignon (84) — Tickets
• 25 juillet — Petrikor Fest | Ornaisons (11) — Tickets
• 27 juillet — Fadas de Musique @ Cour de l’Île | Martigues (13) — Gratuit
• 07 août — Château Sonic @ Château d'Avully | Brenthonne (79) — Tickets
• 29 août — La Guinguette Sonore | Istres (13) — Tickets
• 16 septembre — Festival Radiance | Paris (75)

Écouter Tessina

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Pour cette nouvelle édition, Mascaro imagine un écosystème de six créatures hybrides, à mi‑chemin entre familiarité et étrangeté. Issues du prolongement de son univers des Gang Friends, ces figures mouvantes interrogent notre rapport au présent, à nos corps et à ce qui nous traverse.
Colorées, organiques, presque palpables, ces entités donnent le ton : retrouver l’intensité des couleurs, explorer les corps, rendre visible ce qui pulse ici et maintenant. Une proposition visuelle qui s’inscrit pleinement dans l’ADN du festival : sensible, expérimentale, ouverte aux imaginaires numériques.

Basée à São Paulo, Rafaela Mascaro navigue entre illustration numérique, 3D, animation, design et fiction spéculative. Son travail explore les liens entre identité, technologie, mémoire et comportements humains, à travers des univers vibrants où l’imaginaire rencontre l’intelligence artificielle.
Avec Now Bodies, elle offre à Maintenant 2026 une identité visuelle à la fois ludique, futuriste et profondément humaine.

Prochain rendez‑vous : 30 juin 2026

Le festival donne déjà rendez‑vous au public le 30 juin 2026 pour la révélation complète de la programmation. Une annonce très attendue, tant l’édition 2026 semble placer la sensibilité et la création numérique au cœur de son récit.

À propos du festival

Festival Maintenant Association Electroni[k] Halles en Commun 24 avenue Jules Maniez – 35000 Rennes

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Un single électro‑pop aux accents British

Avec Second Touch, Ziyad Al‑Samman revisite la pop anglaise des années 2010 en y injectant une énergie neuve. Le morceau s’appuie sur :

• une rythmique nerveuse façon Klaxons, jouée avec une précision évoquant Phil Collins
• une topline lumineuse proche de Two Door Cinema Club
• un solo de guitare rétro‑futuriste, qui apporte une touche mélancolique

Le titre explore le thème des amours perdus, porté par une écriture sensible et une production qui mêle fraîcheur estivale et tension émotionnelle.

Un clip géométrique au cœur de Londres

Réalisé avec son ami Jake P, le clip de Second Touch transforme Londres en un décor graphique et pulsé. La capitale britannique est découpée en tableaux géométriques, rythmés par les coups de batterie et les battements de cœur.
L’influence visuelle de Gaspard Augé (Justice) se ressent dans l’usage des lignes de force, des symétries et des ruptures visuelles. Le résultat : un clip hypnotique, presque architectural, où la ville devient un personnage à part entière.

Elastic – un premier album qui refuse la facilité (30 octobre)

Pour Elastic, Ziyad Al‑Samman a choisi de s’éloigner volontairement des codes de l’indie‑disco. Il confie :

« À chaque fois que je voulais incorporer un rythme ou un élément disco, mon producteur Tom Andrews disait non. Il m’a aidé à passer à autre chose. »

L’album repose sur la tension et la transformation : textures distordues, instrumentation live, voix oscillant entre maîtrise et fragilité. Les influences sont multiples — glam, alt‑pop, industriel, avec des échos de Gorillaz, MGMT ou Trent Reznor — mais jamais dominantes.

Quelques titres marquants :

• « Yallah » : urgence, pression, puis dissolution cinématographique
• « Wake Up » / « Deep » : pop déformée, expérimentale
• « The Top » : décharge Britpop, rapide et incisive
• « What You Gonna Do ? » : funk rugueux, pop retournée
• « The Wave » : intimité distordue via un micro d’interphone cassé
• « Baby RU Wasting UR Time » : piano‑voix dépouillé, presque inconfortable
• « Second Touch » : vulnérabilité tenue par un fil
• « Life » : conclusion suspendue, teintée d’un optimisme prudent

Elastic s’annonce comme un premier album ambitieux, fluide et imprévisible, où chaque morceau fonctionne comme une scène à part entière.

Infos clés

• 🎬 Clip « Second Touch » : disponible
• 💿 Album Elastic : sortie le 30 octobre
• 🌍 Artiste : Ziyad Al‑Samman (anglo‑syrien)
• 🎧 Pour fans de : Klaxons, Two Door Cinema Club, MGMT, Justice, Gorillaz

Ziyad Al-Samman - Second Touch (Official Music Video) Streaming platforms : https://ziyad-al-samman.bfan.link/sec... Written by Ziyad Al-Samman and Tom Andrews Mixed by Tarek Musa Mastered By Andrew Larrabee Directed, edited & graded by Ziyad Al-Samman Shot by Jake Pierce Released via Yotanka Records.

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Ziyad Al‑Samman dévoile The Top, troisième extrait de son futur album Elastic. Révélé sur les scènes des Trans Musicales de Rennes et du Montreux Jazz Festival, l’artiste poursuit son ascension avec un morceau qui condense toute la quintessence d’une britpop moderne, nourrie d’influences multiples.

Dans The Top, Al‑Samman laisse derrière lui les amours perdus pour se présenter comme une superstar en devenir, portée par une énergie électrisante. Le titre mêle refrains entêtants, guitares enragées et une intensité qui évoque aussi bien Two Door Cinema Club que Franz Ferdinand.

Ziyad Al‑Samman Musique Written by : Ziyad Al‑Samman Produced by : Tom Andrews Mixed by : Tarek Musa Mastered by : Andrew Larrabee Vidéo Directed, edited & graded by : Ziyad Al‑Samman Shot by : Jake Stevens‑Pierce Gaffer : Declan Duffy Stylist : Tahnee Mitra Set Stylist / Makeup : Kamelia Mckayed Runner : Kyrone Oak Label Released via Yotanka Records

🟣 Elastic : un premier album sous tension (sortie le 30 octobre)

Pour Elastic, Ziyad Al‑Samman s’éloigne volontairement du langage facile de l’indie‑disco. Guidé par son producteur Tom Andrews, il explore un son plus distordu, live, glam, alt‑pop et parfois industriel.
L’album se construit comme une succession de scènes sonores, chacune avec sa propre atmosphère :

• Yallah : tension, pression, relâchement, puis dissolution cinématographique.
• Wake Up & Deep : refrains pop tordus vers des formes plus étranges.
• The Top : excès britpop, vélocité, caractère.
• What You Gonna Do? : pop rugueuse, funky, retournée de l’intérieur.
• The Wave : intimité distordue via un micro d’interphone cassé.
• Baby RU Wasting UR Time : dépouillement total, piano + voix, vulnérabilité brute.
• My Heart Is A Racing Car & Second Touch : fragilité maintenue par un fil.
• Life : conclusion plus lumineuse, un optimisme prudent.

Elastic promet un univers fluide, volatile, hanté par des influences comme Gorillaz, MGMT ou Trent Reznor, sans jamais s’y ancrer.

🟣 À propos de Ziyad Al‑Samman

Artiste londonien fantasque et attachant, Ziyad Al‑Samman s’est fait remarquer en 2024 avec son EP Pleasure Complex, où il dessinait les contours d’une glam‑pop aux relents disco. Sur scène, notamment à la Salle de la Cité pour l’ouverture des Trans Musicales, il révèle un amour profond pour la pop dansante, qu’elle vienne d’Angleterre, des États‑Unis ou du pourtour méditerranéen.
Pour Elastic, il abandonne son personnage flamboyant — banane, moustache, chemise rouge — pour explorer des terrains plus sombres, intenses et inattendus.

YOU ARE WHAT YOU LISTEN TO - SHOWREEL 2025 Follow Yotanka Records : Instagram : / yotankarecords Facebook : / yotankamusiclabel Boutique : https://yotankarecords.bandcamp.com Site : https://www.yotanka.net ---------------------------------------- Zinée - MEZZEL : • Zinée - MEZZEL feat. Chilly Gonzales (Offi... OJOS - Adieu • OJOS - Adieu (clip officiel) SAVANAH - Dernier endroit : • SAVANAH - Dernier Endroit (Clip Officiel) Kid Francescoli - Les vitrines : • Kid Francescoli - "Les Vitrines" (Official... Romane Santarelli - OK CHAOS + SLOWDOWN : • Romane Santarelli - OK CHAOS + SLOWDOWN (C... BIRRD - Khamsin ft. FAKEAR : • BIRRD - Khamsin ft. FAKEAR (Live Session) ATOEM - Sapna : • ATOEM - Sapna EMEL feat Nayomi - Lose My Mind : • EMEL feat Nayomi - Lose My Mind (Official ... Tiago Caetano - Salvo : • Tiago Caetano - Salvo (Official Vidéo) H-Burns feat. Bertrand Belin - La nuit est entrée en lui : • H-Burns feat. Bertrand Belin - La nuit est... Ziyad Al-Samman - Ya Habibi : • Ziyad Al-Samman - Ya Habibi (Official Musi... Tample - Visions : • Tample - Visions (Official Video) ☀️ Lo’Jo - Joséphine : • Lo'Jo - Joséphine (Clip Officiel) MAKOTO SAN - YU : • YU - MAKOTO SAN (Official Video) Grégoire Jokic - There Will Be Light : • Grégoire Jokic - There Will Be Light (Offi...

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Présenté lors d’un événement mondial diffusé en streaming depuis Birmingham, sa ville natale, à quelques mètres du célèbre Black Sabbath Bridge, “World Alone” donne le ton : un rock tonitruant, une avalanche de riffs lourds, des solos tranchants, et la voix puissante du chanteur norvégien Jorn Lande, dont la théâtralité porte le morceau vers des sommets épiques.

Le clip plonge dans un univers dystopique rétrofuturiste, où le personnage principal, The Believer, se retrouve projeté dans un jeu vidéo déformé, en quête de survie et de rédemption. Une esthétique sombre, nerveuse, parfaitement alignée avec l’ADN musical d’Iommi.

Tony Iommi - Guitar Jorn Lande - Vocals & Lyrics Karl Brazil - Drums Becky Baldwin - Bass Mike Exeter – Keyboards Direction artistique / Production design : Lee Evans & Alex Rose Directeur de la photographie : Sam Breeze Gaffer : John Crooks Montage : John John Phillips VFX : Nadav Rotem 1er assistant réalisateur : Steve Crabtree

Un voyage entre lumière et obscurité

Dès l’ouverture avec “Over The Violent Sun”, le riff grave et tranchant d’Iommi impose une atmosphère dramatique, renforcée par la voix de Jorn Lande. Le disque alterne puissance brute (“Black Times”, “Return Of The Arbalist”) et fresques épiques (“Beyond The Dead”, “Legacy”), tout en explorant des thèmes existentiels, maritimes ou dystopiques.
Le diptyque “Stormwatcher” / “Death Wake” s’impose comme le cœur émotionnel de l’album, mêlant poésie sombre et tension orchestrale.
Un an après le concert d’adieu de Black Sabbath, Back To The Beginning (2025), From The Dark confirme une chose : l’inspiration de Tony Iommi reste intacte.

Tony Iommi : une légende vivante

Considéré comme l’un des guitaristes les plus influents de l’histoire de la musique moderne, Tony Iommi a façonné le langage du heavy metal. Fondateur de Black Sabbath, compositeur principal, survivant d’un accident industriel qui a forgé son style unique, il a marqué six décennies de rock et de culture populaire.
Récompenses et distinctions :

• Grammy Awards
• Rock & Roll Hall of Fame
• MBE (2026)
• Citoyen d’honneur de Birmingham
• Collaborations avec Ronnie James Dio, Ozzy Osbourne, Geezer Butler, Bill Ward…
• Création du ballet Black Sabbath – The Ballet (2023)
• Concert monumental Back To The Beginning (2025)

Avec From The Dark, Tony Iommi ne se contente pas de revenir : il réaffirme son statut de maître absolu du riff, capable de moderniser son héritage sans jamais le trahir. Un album massif, inspiré, qui s’annonce déjà comme l’un des grands disques rock de 2026.

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Des thèmes forts : santé mentale, violences, masculinité toxique Avec un ton grave, ironique ou métaphorique, le trio aborde des sujets tels que la santé mentale, le viol, la masculinité toxique, le militantisme ou les relations d’emprise. Leur volonté est claire : recouvrir le patriarcat d’une bonne dose de cheddar et l’écraser entre deux tranches de pain. Un EP nocturne, incisif, qui sort les crocs pour danser, rugir et s’insurger.

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À l’approche de la sortie de leur nouvel album Rita, attendue le 16 octobre, PÆRISH lâche un nouveau single incandescent : « VAPOR CLOUD ».

Le groupe y met en scène la crainte de voir la créativité s’effriter avec les années, un thème intime porté par un rock alternatif tendu, nerveux, magnétique — exactement ce qui fait la force de PÆRISH.

Pour illustrer cette énergie brute, PÆRISH propose un clip spectaculaire où les membres du groupe prennent place dans des voitures en plein drift.

Grâce au batteur Loïc, passionné de culture automobile japonaise, le groupe a réuni une véritable communauté de drifteurs et de collectionneurs, donnant naissance à un « rasso » unique. L’esthétique, inspirée des films, jeux vidéo et animés asiatiques des années 80‑90, mêle tuning, néons, couleurs nocturnes et imagerie quasi onirique.

La voiture occupe une place particulière dans l’histoire du groupe, notamment lors de leurs tournées aux États‑Unis. Elle devient ici un symbole du voyage, du rêve et du dépaysement, bien plus qu’un simple élément visuel.

Avec Rita, PÆRISH signe son album le plus puissant : un mélange de nostalgie, de colère et d’urgence, façonné par des années de route en Europe et en Amérique du Nord.
 

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À l’occasion de la Fête de la Musique, le musée national de la Marine à Paris prépare une expérience rare, sensorielle et profondément artistique.

Les mercredi 14 et jeudi 15 octobre, le musée ouvre exceptionnellement ses portes en nocturne pour une soirée qui mêle concert live, exploration des abysses et dialogue entre arts et sciences. Une proposition singulière qui promet de faire date.

Figure incontournable de la scène jazz contemporaine, Anne Paceo — compositrice, batteuse et plongeuse — présentera son concert Atlantis, une création pensée comme une plongée musicale dans les profondeurs marines.
Avec son approche « cross over », l’artiste navigue entre jazz, musiques du monde, textures électroniques et inspirations mythologiques. Une odyssée sonore où se croisent sirènes, abysses et récits d’explorateurs, portée par une formation de musiciens qui n’hésitent pas à repousser les frontières de l’imaginaire.
Cette performance live viendra prolonger la visite de la nouvelle exposition du musée, créant un véritable pont entre exploration scientifique et voyage intérieur.

Dès le 14 octobre 2026, le musée national de la Marine dévoilera L’Appel des profondeurs. Une aventure sous les mers de l’Antiquité à nos jours, une exposition majeure rassemblant plus de 200 œuvres.
Photographies, objets historiques, dispositifs immersifs, récits d’explorateurs, innovations technologiques… L’exposition retrace la fascination humaine pour les abysses, de la mythologie antique aux défis contemporains de l’exploration sous-marine.
Parmi les pièces marquantes, on retrouve notamment le portrait d’un scaphandrier en plongée (1898) réalisé par Louis Boutan, pionnier de la photographie sous-marine — une image emblématique qui incarne l’esprit de conquête et de curiosité qui traverse toute l’exposition.

Une soirée à la croisée des arts

Cette nocturne exceptionnelle propose un parcours en deux temps :

• Visite libre de l’exposition L’Appel des profondeurs Une immersion dans l’histoire, la science et les imaginaires liés aux océans.
• Concert Atlantis d’Anne Paceo Une performance qui prolonge la thématique des profondeurs par la musique, entre poésie, puissance et exploration sonore.

Une manière unique de célébrer la Fête de la Musique, dans un lieu chargé d’histoire et tourné vers l’avenir.

 Informations pratiques

Dates : mercredi 14 et jeudi 15 octobre Lieu : Musée national de la Marine, Paris Événement : Nocturne + exposition + concert d’Anne Paceo Public : amateurs de musique, passionnés d’océans, curieux d’expériences culturelles hybrides

Le réseau des musées de la Marine

Le musée national de la Marine déploie également ses activités sur plusieurs sites du littoral : Brest – Port-Louis – Rochefort – Toulon Autant de lieux où découvrir l’histoire maritime française sous toutes ses formes.

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1er → 11 octobre 2026

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Sororales – Résider en ruralité :
16 avril 2027

En parallèle, La Métive annonce une journée spéciale le 16 avril 2027, dédiée à la prévention des violences sexistes et sexuelles en milieu rural.

Dès 10h — Journée de prévention VHSS

Rencontres, ressources, ateliers artistiques et féministes en partenariat avec Nous Toutes Creuse et le Collectif Enfantiste 23.

21h — Concert de Mathilde

Avec La Nuit · Le Jour, Mathilde explore l’amour, ses élans et ses zones de trouble. Une pop sensible, engagée, accompagnée du Body Acoustic Trio et d’une interprète LSF pour un concert accessible et politique. Lieu : Espace Claude Chabrol, Sardent.

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🌙 Une artiste qui chante l’amour dans toutes ses nuances

Avec son album La Nuit · Le Jour (sorti le 1ᵉʳ mars 2024), Mathilde explore les zones lumineuses et sombres des relations :

• dépendance affective,
• peur de l’engagement,
• fin de l’illusion,
• disparition du désir.

Sa pop sensible, portée par des textes profondément humains, s’adresse à celles et ceux qui cherchent une musique vraie, intime, sans artifices.
Sur scène, elle est accompagnée de The Body Acoustic Trio, un band qui apporte une dimension organique et chaleureuse à ses compositions.

🤟 Un concert accessible à toutes et tous

Depuis 2017, Mathilde se produit avec une interprète en langue des signes française (LSF). Le concert devient ainsi un espace inclusif où la musique, les mots et le geste se rencontrent.

🛑 Un événement engagé contre les violences

Au-delà de la scène, cette soirée s’inscrit dans une journée de sensibilisation dédiée aux violences sexistes et sexuelles (VSS), aux violences intrafamiliales et aux discriminations.
En partenariat avec :

• Nous Toutes Creuse,
• Collectif Enfantiste 23.

Ateliers, ressources, échanges et actions de prévention rythmeront la journée avant le concert.

🍽️ Sur place

• Buvette
• Foodtrucks
• Ambiance conviviale toute la journée

📍 Infos pratiques

• Lieu : Espace Claude Chabrol, 23250 Sardent
• Date : Vendredi 16 avril 2027
• Horaire : 21h – 23h
• Tarifs :
  • Plein tarif : 15 €
  • Tarif réduit (adhérent·es, étudiant·es, demandeurs d’emploi) : 12 €
• Billetterie : Achat en ligne conseillé (HelloAsso)

Soutenir La Métive

Adhésion ou don dès 1€ pour soutenir les résidences, festivals, actions culturelles et la vie associative du lieu.

Du 28 septembre au 2 octobre 2026, La Métive (Moutier‑d’Ahun, Creuse) accueille la 4ᵉ édition des Sororales, un rendez‑vous culturel et politique qui interroge nos manières de vivre ensemble. Cette année, le festival choisit de « résider en adelphité » : un mot qui dépasse la fraternité et la sororité pour inclure toutes les identités, y compris les personnes non‑binaires.

Programme des rencontres (19h chaque soir)

Lundi 28 septembre — Anna Mouglalis

Prendre la parole, déplacer les rapports de pouvoir L’actrice et militante féministe explore la puissance politique de la parole et les mécanismes qui permettent aux violences sexistes de perdurer. Une réflexion sur la manière dont une voix individuelle peut devenir collective.
 

Quand la voix devient un acte politique et un outil de résistance

Actrice reconnue et figure engagée du féminisme contemporain, Anna Mouglalis explore depuis plusieurs années la manière dont la parole peut transformer les rapports de pouvoir, briser les silences et ouvrir des espaces de résistance collective. Son intervention aux Sororales s’inscrit dans la continuité de ses engagements publics : lutte contre les violences sexistes et sexuelles, critique des structures patriarcales, réflexion sur la place des femmes dans les industries culturelles.

🔥 La parole comme outil de rupture et de transformation

Pour Anna Mouglalis, prendre la parole n’est jamais neutre : c’est un geste politique qui expose, qui dérange, qui déplace les lignes. Elle rappelle que les violences sexistes perdurent parce qu’elles s’appuient sur des mécanismes bien identifiés :

• silence imposé,
• impunité,
• rapports de domination,
• absence de volonté politique réelle pour appliquer les textes existants dans les milieux culturels.

Lors de son audition au Sénat, elle soulignait que les lois existent, mais que « la volonté politique pour les mettre en œuvre » manque encore. Cette lucidité nourrit son intervention aux Sororales : comment une parole individuelle, fragile ou isolée, peut‑elle devenir une force collective capable de fissurer les structures de domination ?

🧱 Briser les silences : un engagement ancré dans l’intime

Son féminisme est aussi nourri par son histoire familiale : Anna Mouglalis a révélé que son arrière‑grand‑mère a été victime d’un féminicide, un traumatisme transmis de génération en génération. Cette mémoire des violences, inscrite dans les récits familiaux, renforce sa conviction que les violences sexistes ne sont pas des faits isolés, mais des systèmes qui s’enracinent dans les structures sociales et culturelles.
Elle parle d’un « héritage familial de violences », qui l’a poussée à s’intéresser à la pensée féministe depuis près de vingt ans, bien avant #MeToo. Pour elle, la responsabilité est collective, et la prise de parole est un moyen de rompre la reproduction silencieuse de ces violences.

🎭 Une artiste qui politise la scène

Sur scène, notamment dans La chair est triste hélas d’Ovidie, Mouglalis porte un texte féministe radical qui interroge :

• les injonctions faites aux femmes,
• la violence de l’hétérosexualité comme système politique,
• les mécanismes de domination qui traversent les corps et les désirs.

Son timbre rauque, sa présence scénique et sa manière d’incarner la colère comme une énergie créatrice donnent à sa parole une dimension émancipatrice et fédératrice.

🌐 De l’individuel au collectif : la puissance d’une voix qui s’agrège

Aux Sororales, son intervention propose de comprendre comment une voix individuelle peut devenir collective :

• en créant des espaces où les récits se partagent,
• en légitimant les expériences vécues,
• en transformant la vulnérabilité en force politique,
• en faisant de la parole un outil de résistance contre les violences sexistes et sexuelles.

Pour Mouglalis, parler, c’est déjà agir. C’est refuser l’effacement, c’est contester les normes, c’est ouvrir la voie à d’autres voix — celles qui n’ont pas encore pu se dire.

Mardi 29 septembre — Habibitch

Décoloniser le dancefloor Figure queer incontournable, Habibitch propose une lecture politique du dancefloor : héritages coloniaux, identités, cultures queer et danse comme outil d’émancipation.
 

Quand la danse devient un espace politique, queer et décolonial

Figure incontournable des scènes queer, ballroom et des luttes féministes décoloniales, Habibitch (Lissia Benoufella) propose une conférence-dansée qui a marqué les scènes nationales depuis près de dix ans. D’origine franco‑algérienne, danseuse de voguing et de waacking, sociologue et militante, elle transforme le dancefloor en espace de réflexion collective, où le corps devient un outil de résistance.

🌍 Décoloniser le dancefloor : comprendre les héritages coloniaux

La performance interroge la manière dont les héritages coloniaux influencent encore nos gestes, nos corps, nos relations sociales et nos espaces festifs. Habibitch y décortique :

• les rapports de pouvoir hérités de l’histoire coloniale,
• les privilèges et les dynamiques de domination,
• les récits dominants qui façonnent nos sociétés contemporaines,
• la manière dont les corps racisés et queer sont perçus, contrôlés ou invisibilisés.

Son approche est incarnée : elle s’appuie sur son propre parcours, de l’Algérie à Paris, des squats militants aux scènes internationales, de Sciences Po à une tournée mondiale avec Sam Smith .

🎭 Une forme hybride : parole, analyse critique et danse

La conférence-dansée mêle :

• analyse sociologique accessible et percutante,
• humour, digressions et anecdotes,
• références théoriques féministes intersectionnelles,
• culture ballroom (voguing, waacking),
• un final dansé qui devient un acte de résistance.

Sur scène, le dispositif est volontairement épuré : une table, un ordinateur, un PowerPoint, un drapeau algérien. Cette sobriété met en avant la puissance du discours et la présence du corps .

🌈 Un geste queer, politique et joyeux

Habibitch défend une vision du dancefloor comme :

• un lieu de lutte,
• un espace de création communautaire,
• un territoire où les identités queer, racisées, non-binaires peuvent se déployer librement,
• un endroit où la danse devient affirmation, réappropriation et défi face aux normes.

Elle déconstruit les normes de classe, genre, sexualité et race, tout en revendiquant les intersections de son identité .

⚡ Une performance devenue référence en France et en Europe

Décoloniser le dancefloor est aujourd’hui présenté :

• dans des scènes nationales (Châteauvallon-Liberté),
• dans des festivals internationaux (Festival de la Cité, Short Theatre),
• dans des lieux engagés (MAIF Social Club, Maison de la Danse) .

Partout, la performance est saluée pour sa capacité à rendre accessibles des enjeux complexes, à mobiliser les publics et à réinventer la manière de parler de politique, de corps et de liberté.

Mercredi 30 septembre — Marcia Burnier

Le Chien Noir et moi L’autrice revient sur son dernier livre et tisse des liens entre anxiété, violence, vulnérabilité, féminisme et relation au vivant.

Jeudi 1ᵉʳ octobre — Apolline Bazin

Drag Fever Une plongée dans l’histoire du drag, son essor médiatique et ses enjeux politiques. Représentations, luttes LGBTQIA+, visibilité : le drag comme art en mouvement.
 

Le drag : un art queer en mouvement, entre paillettes, politique et résistance

La rencontre avec Apolline Bazin s’annonce comme l’un des temps forts des Sororales 2026. Journaliste culture indépendante, autrice de Drag, un art queer qui agite le monde (2023) et de l’essai Drag Fever (2026), elle est aujourd’hui l’une des voix les plus éclairantes sur l’histoire, les mutations et les enjeux politiques du drag en France.

🎭 Un art longtemps marginal, devenu phénomène culturel

Dans Drag Fever, Apolline Bazin analyse comment le drag — longtemps cantonné aux scènes underground, aux cabarets, aux clubs queer et aux ballrooms — est devenu un phénomène de société, notamment grâce à la médiatisation massive de Drag Race France. Cette visibilité nouvelle a permis de faire connaître au grand public un art riche, pluriel et profondément politique .
Elle retrace l’évolution du drag depuis :

• les travesti·es et transformistes du XIXᵉ et XXᵉ siècle,
• la scène ballroom afro‑latina,
• les cabarets parisiens,
• jusqu’à l’explosion contemporaine portée par la télévision et les réseaux sociaux .

🌈 Visibilité, représentations et tensions politiques

L’essai interroge les effets de cette popularisation :

• standardisation des corps et des esthétiques,
• uniformisation des représentations,
• risque de dépolitisation d’un art historiquement subversif,
• tension entre liberté et conditionnement médiatique .

Apolline Bazin pose une question centrale :

Que devient le drag lorsqu’il sort de ses espaces communautaires ? Est‑ce une ouverture vers une « queerisation » de l’espace public, ou une domestication d’un art radical ?

⚡ Un art de transformation… et de résistance

Pour Apolline Bazin, le drag n’est pas seulement un art visuel : c’est un outil de réflexion, un geste politique, une manière de révéler la construction sociale du genre et de questionner les normes qui nous façonnent .
Le drag, dans sa diversité (drag queens, drag kings, club kids, créatures), amplifie les identités, joue avec les codes, détourne les normes et crée des espaces de liberté. Il est traversé par :

• l’activisme LGBTQIA+,
• les luttes antiracistes,
• la critique des standards de beauté,
• la résistance face aux idées réactionnaires qui ciblent les minorités .

📚 Une conférence pour comprendre le drag aujourd’hui

La rencontre Drag Fever permettra de :

• revisiter l’histoire du drag,
• comprendre son essor médiatique,
• analyser ses enjeux politiques actuels,
• explorer ses multiples formes artistiques,
• réfléchir à son avenir dans un contexte de tensions sociales et politiques.

Une plongée passionnante dans un art qui, sous les paillettes, porte toujours la rage, la créativité et la résistance.
 

Vendredi 2 octobre — Claire Touzard

Folie et résistance À travers son parcours et ses ouvrages, Claire Touzard interroge les normes sociales, les violences patriarcales et la santé mentale. Comment certaines ruptures deviennent des actes de résistance.

Infos pratiques

• Lieu : La Métive, 2 rue Simon Bauer, Moutier‑d’Ahun
• Entrée : adhésion ou don à prix libre
• Sur place : buvette & foodtrucks
• Partenaires : Ministère de la Culture, Région Nouvelle‑Aquitaine, DILCRAH, ArtyFarty, Communauté de communes Creuse Sud‑Ouest, librairie Vies Minuscules, La Petite, Radio Pays de Guéret.

⭐ Artiste : Mathilde

Mathilde est une chanteuse française engagée, autrice‑compositrice et performeuse, dont l’univers mêle chanson, pop, jazz et langue des signes (LSF). Militante féministe, elle aborde dans ses œuvres les violences sexistes et sexuelles, la grossophobie, le validisme et l’accessibilité culturelle.
Avec son album La Nuit · Le Jour (2024), elle explore les nuances de l’amour — ses élans, ses zones de trouble, ses contradictions — dans une esthétique sensible et politique. Sur scène, elle collabore avec le Body Acoustic Trio et une interprète LSF, affirmant une démarche artistique inclusive et profondément humaniste.

🎬 Crédits vidéo — Mathilde Paroles & Musique : Mathilde Réalisation vidéographique : @francetimmermans, assistée par Charlotte Lorenzaccio Régie : Jack Lena, Sirine Sehil Réalisation discographique : @Josh Renton Mastering : Russ Hepworth‑Sawyer Production : Mathilde & ‪#‬

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THÉÂTRE DE GRASSE — SAISON 2026‑2027

Création, énergie, audace : une année qui fait vibrer le spectacle vivant

Pour sa saison 2026‑2027, le Théâtre de Grasse déploie une programmation qui respire la liberté, la création et l’envie de rassembler. Entre grandes signatures, jeunes talents, projets participatifs et spectacles hors les murs, le TDG confirme son rôle de phare culturel dans la région.

« Le spectacle vivant est un risque, une rencontre, une émotion. » — Emmanuelle Bourret, direction du Théâtre de Grasse

Ouverture de saison

Mille Voix, Une Ville

Lamine Diagne & Collectif Kay
Performance pluridisciplinaire — musique, danse, rap, slam, graff
Une fresque vivante, construite avec les habitants, qui transforme Grasse en scène à ciel ouvert. Un lancement festif, gratuit, populaire — exactement ce que le public attendait pour ouvrir cette nouvelle saison.
 

Dossier

Les grands axes de la saison

1. Théâtre : les voix qui bousculent

Le TDG propose un théâtre qui interroge, qui émeut, qui raconte le monde. Une sélection où se croisent grands textes, écritures contemporaines, récits intimes et enjeux politiques.

• Ce que j’appelle oubli – Cie IL VA SANS DIRE
• L’École des femmes – mise en scène de Robin Renucci & François Morel
• Ivanov – Tchekhov revisité par Jean‑François Sivadier
• Nous le Red Star – texte de Théo Askolovitch, avec Ariane Ascaride
• Orgueilleuse – solo incandescent d’Ève Pereur
• Le Problème lapin – Frédéric Ferrer

2. Cirque : poésie, prouesse et humanité

Le cirque occupe une place centrale cette année, entre virtuosité, émotion et engagement. Une programmation qui mêle acrobatie, narration et images fortes.

• Biographies – Cie Ea Eo
• Yongoyély – Circus Baobab
• Strano – Cirque Trottola
• Le Bonheur clandestin – Alice Rende
• Casimir – Cie Arts & Couleurs

 

3. Danse : les corps en mouvement

La danse raconte le monde autrement : par les corps, les rythmes, les élans. La saison chorégraphique du TDG est puissante, généreuse et accessible.

• Leïla Ka – nouvelle création
• Midi‑Minuit – Malandain Ballet Biarritz
• Coquilles – Amala Dianor
• Boys Don’t Cry – Hervé Koubi
• Suspended Chorus – Silvia Gribaudi

 

4. Musique : vibrations et métissages

Entre théâtre musical, jazz, pop poétique et musiques du monde, la saison musicale du TDG ose les croisements et les atmosphères singulières.

• Fusées – Jeanne Candel
• Ludwig Van… – Cie Vivant!e
• Mélissa Laveaux
• Kami Octet
• Bertrand Belin

 

Portraits

Les artistes complices de la saison

Lamine Diagne

Conteur, musicien, créateur d’univers hybrides, Lamine Diagne ouvre la saison avec Mille Voix, Une Ville et accompagne plusieurs projets participatifs. Son travail mêle récit, musique et parole des habitants.

Édith Amsellem

Metteure en scène engagée, exploratrice des espaces non théâtraux, elle signe Le Grand Défilé, une création participative qui interroge les normes de genre et la place des corps dans l’espace public.

 

Territoire

Un théâtre qui sort de ses murs

Le Théâtre de Grasse rayonne dans toute la Communauté d’Agglomération du Pays de Grasse : Grasse, Mouans‑Sartoux, Pégomas, La Roquette, Saint‑Vallier, Séranon…
Spectacles, ateliers, rencontres, projets participatifs : la culture circule, se partage, se vit au plus près des habitants, bien au‑delà des murs du théâtre.

 

Conclusion

Une saison lumineuse, ouverte, profondément vivante

La saison 2026‑2027 du Théâtre de Grasse est une invitation à ressentir, réfléchir, rire, danser, vibrer. Elle célèbre la diversité des formes artistiques et la richesse des récits humains.
Le spectacle vivant n’a jamais été aussi nécessaire. À Grasse, il trouve un écrin à sa mesure.

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NASTYJOE – Krakatoa (Mérignac / Bordeaux)

Jeudi 24 septembre 2026 – 20h00 (ouverture des portes : 19h30)

NASTYJOE avance comme une décharge électrique. Un groupe qui ne triche pas, qui ne joue pas les codes, qui ne cherche pas à se fondre dans la masse.

Outsider assumé de la scène rock hexagonale, le quatuor s’est imposé par une identité sonore immédiatement reconnaissable : tension brute, puissance sonore, mélodies 90s, refrains sauvages et une sincérité rare.

Entre indie rock et post‑punk, NASTYJOE convoque les fantômes de The Cure, Blur, Fontaines D.C., Shame ou encore IDLES, sans jamais tomber dans le mimétisme.

Leur musique frappe droit au cœur, sans détour, avec cette urgence qui transforme chaque concert en expérience totale.

Après un premier EP et une centaine de dates à travers la France, des sélections aux iNOUïS du Printemps de Bourges et au Prix Chorus, le groupe dévoile enfin son premier album très attendu : THE HOUSE, enregistré et mixé par Baptiste Leroy (Structures, Johnny Jane…).

The House n’est pas seulement un album : c’est un lieu. Une architecture intime où chaque pièce raconte un fragment de soi. Le disque agit comme un catalyseur : il fait remonter les souvenirs, confronte les fantômes, interroge ce qu’il reste de nous lorsque les repères s’effondrent.

Post‑punk dans l’énergie, introspectif dans l’écriture, NASTYJOE transforme les fragilités en force. Au fil des morceaux, la réalité se déforme, les émotions prennent corps, les murs vibrent de violences, de doutes, de souvenirs et d’identités en mutation.

C’est une invitation à entrer. À se confronter. À se reconstruire.
C’est l’histoire de grandir, de se regarder en face, d’accepter l’imperfection et de chercher sa place dans un monde en mouvement.

En concert à Paris – 2 juin 2026 – Petit Bain

Un live annoncé comme incandescent, brut, sans concession.

• D’infos sur les réseaux du groupe.

📀 Singles (2025)

• STRANGE PLACE – 13 juin 2025
• WORRIED FOR YOU – 26 septembre 2025
• WIRE – 6 novembre 2025
• HOLE IN THE PICTURE – 10 décembre 2025

 

24 septembre 2026 – 20h00 – Club
Accompagnés à leurs débuts par la Pépinière du Krakatoa, les Bordelais de NASTYJOE ont affiné leur style pour en extraire l’essence d’un rock indé teinté de post‑punk. L’influence britannique est omniprésente, de Fontaines D.C. à IDLES en passant par Shame.

Avec The House, le groupe se livre à une introspection profonde. On découvre son identité morceau après morceau, comme on découvrirait les pièces d’une maison familière où les ondes positives nous portent, où la fragilité devient un atout.
 

Performed by NASTYJOE on the 02.06.23 at le Krakatoa, Bordeaux

Camera: Roger Merpillat, Loik Lamilhau Editing: Negativevisual Color grading: Negativevisual Light director: Arnaud Vautard Stage manager: Marc Duvignau Live sound: Alexis Plateroti Mix: Cyrille Gachet

Special thanks to Azimut, le Krakatoa, Pépinière du Krakatoa, Rockschool Barbey, À Tant Rêver du Roi, Lagon Noir, Aylin cymbals

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Cinéma Paradiso Tour Eiffel, du 24 au 27 septembre 2026,

avec une promesse simple et spectaculaire :
 

du cinéma gratuit avec vue sur Paris, dans un cadre totalement inédit .

Cette édition marque une nouvelle étape pour mk2, qui poursuit sa stratégie de projection dans des lieux iconiques.

 

Un cinéma éphémère au cœur de la Tour Eiffel

Caractéristiques de l’événement

Avec Cinéma Paradiso,
mk2 poursuit une démarche engagée depuis plusieurs années :

L’édition 2026 du Louvre (1er–4 juillet) avait déjà marqué les esprits :

Le festival promet une immersion totale :

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Porté par un piano mélancolique et une production qui convoque les fantômes du post‑punk 80’s (The Cure, Joy Division, New Order), “Strawberry Lane” avance comme une confession à voix basse qui finit par exploser.

Le morceau navigue entre crise de la quarantaine, poids du père, silences générationnels et ce besoin vital de rompre l’apathie. Le refrain — “Break the Silence” — agit comme un cri, un exutoire, un point de rupture.

On y retrouve la signature Lanskies : une indie-pop sombre, cinématographique, émotionnelle, qui frappe autant par son intensité que par sa sincérité.

Réalisé une nouvelle fois par Jonathan Perrut, le clip s’ouvre exactement là où s’arrêtait “Sexy Teacher”. Une porte s’ouvre sur un vieux pub en bois, chaleureux, tamisé, presque familier.

Mais très vite, l’endroit se transforme en un espace étrange, vivant, traversé par une galerie de sosies improbables — de Prince aux chanteurs de Queen ou Kiss.

Ce refuge devient alors un lieu de possession collective, entre happening, thérapie de groupe et débordements émotionnels.

Le clip alterne douceur, empathie, chaos et déchirures, jusqu’à un final apocalyptique qui laisse le spectateur suspendu, prêt pour l’épisode 3.

Retour sur l’épisode 1 : “Sexy Teacher”

Premier volet du triptyque, “Sexy Teacher” racontait un comeback du désir et du rock’n’roll, dans une ambiance True Romance fantasmée. Un héros façon James Dean de supermarché, une fièvre adolescente, une liberté brûlante, et des caméras de surveillance comme témoins d’un embrasement intérieur.

The Lanskies : dix ans de silence, puis l’incendie

Après une décennie d’absence, The Lanskies reviennent avec un nouvel album, un nouveau line‑up et une ambition intacte. Leur album War Machine sortira le 17 avril 2026 chez ZRP.

Inventeurs autoproclamés de la Hot Wave (un terme repris par Tracks sur Arte), ils reviennent avec un son dense, racé, enregistré au Studio de la Chouette et mixé par Clive Martin (Queen, The Cure, Stéréophonics…).

Les 11 titres mêlent influences Kaiser Chiefs, LCD Soundsystem, Oasis, tout en conservant une singularité forte, portée par le charisme incandescent de Lewis Evans. Leur réputation scénique — forgée de Rock en Seine à la Chine — annonce un retour explosif.

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