Porté par un piano mélancolique et une production qui convoque les fantômes du post‑punk 80’s (The Cure, Joy Division, New Order), “Strawberry Lane” avance comme une confession à voix basse qui finit par exploser.

Le morceau navigue entre crise de la quarantaine, poids du père, silences générationnels et ce besoin vital de rompre l’apathie. Le refrain — “Break the Silence” — agit comme un cri, un exutoire, un point de rupture.

On y retrouve la signature Lanskies : une indie-pop sombre, cinématographique, émotionnelle, qui frappe autant par son intensité que par sa sincérité.

Réalisé une nouvelle fois par Jonathan Perrut, le clip s’ouvre exactement là où s’arrêtait “Sexy Teacher”. Une porte s’ouvre sur un vieux pub en bois, chaleureux, tamisé, presque familier.

Mais très vite, l’endroit se transforme en un espace étrange, vivant, traversé par une galerie de sosies improbables — de Prince aux chanteurs de Queen ou Kiss.

Ce refuge devient alors un lieu de possession collective, entre happening, thérapie de groupe et débordements émotionnels.

Le clip alterne douceur, empathie, chaos et déchirures, jusqu’à un final apocalyptique qui laisse le spectateur suspendu, prêt pour l’épisode 3.

Retour sur l’épisode 1 : “Sexy Teacher”

Premier volet du triptyque, “Sexy Teacher” racontait un comeback du désir et du rock’n’roll, dans une ambiance True Romance fantasmée. Un héros façon James Dean de supermarché, une fièvre adolescente, une liberté brûlante, et des caméras de surveillance comme témoins d’un embrasement intérieur.

The Lanskies : dix ans de silence, puis l’incendie

Après une décennie d’absence, The Lanskies reviennent avec un nouvel album, un nouveau line‑up et une ambition intacte. Leur album War Machine sortira le 17 avril 2026 chez ZRP.

Inventeurs autoproclamés de la Hot Wave (un terme repris par Tracks sur Arte), ils reviennent avec un son dense, racé, enregistré au Studio de la Chouette et mixé par Clive Martin (Queen, The Cure, Stéréophonics…).

Les 11 titres mêlent influences Kaiser Chiefs, LCD Soundsystem, Oasis, tout en conservant une singularité forte, portée par le charisme incandescent de Lewis Evans. Leur réputation scénique — forgée de Rock en Seine à la Chine — annonce un retour explosif.

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Un festival pluridisciplinaire, accessible et familial

  La programmation, répartie sur plusieurs lieux emblématiques de la bastide, mise sur la proximité, la gratuité et l’ouverture à tous les publics.

 

 

 

 

Le festival s’inscrit dans une dynamique culturelle forte portée par la ville et la communauté de communes. Chaque été, les ruelles, places et cours historiques deviennent des scènes à ciel ouvert.

Les éditions précédentes ont attiré plusieurs milliers de spectateurs, confirmant l’importance de l’événement pour :
 

 

 

 

 

Avec une programmation aussi riche, le Festival en Bastides 2026 s’annonce comme l’un des événements culturels les plus importants du département.

Entre spectacles de rue, créations contemporaines et moments festifs, Villefranche-de-Rouergue devrait vivre au rythme des artistes durant plusieurs jours.

Un rendez-vous à ne pas manquer pour les amateurs de culture, les familles, les touristes… et tous ceux qui aiment voir une bastide s’animer au fil des arts vivants.

Un quart de siècle d’arts de rue célébré dans les bastides aveyronnaises

 

 

 

L’un des marqueurs forts du Festival en Bastides reste son accès à prix libre : 30 représentations sur 32 sont ouvertes sans tarif fixe, afin de permettre à chacun de profiter des spectacles. Les organisateurs rappellent l’importance du soutien du public lors du passage du chapeau, indispensable pour maintenir ce modèle solidaire.

Le festival s’appuie également sur une équipe de bénévoles très investis, présents depuis les débuts de l’événement.

 

 

Des spectacles variés et exigeants

 

 

 

 

Pour ses 25 ans, le Festival en Bastides réaffirme son rôle essentiel dans la diffusion des arts de rue en milieu rural. L’événement continue de créer des passerelles artistiques, d’attirer un public toujours plus nombreux et de soutenir des compagnies innovantes.

Cette édition 2025, dense et généreuse, illustre parfaitement la vitalité culturelle du territoire et la force du spectacle vivant.

 

 

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Cette étape se déroulera le 12 juillet, sur une distance de 185 km, et traversera toute la Corrèze dont certains plus beaux villages de France.

Toute la journée, la Corrèze vivra au rythme du Tour de France avec des animations pour toute la famille : marché de producteurs, groupes de musique, animation autour du vélo, espaces de restauration, buvettes...

La Corrèze compte 6 plus beaux villages de France, dont certains seront mis à l'honneur avec la traversée de cette étape.

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Organisé par l’association Tuberculture, le Festival aux Champs cultive une ambiance singulière, joyeuse, populaire, où l’on célèbre autant la musique que les traditions locales. Le fameux cri « Viva Zapatatas ! » accompagne régulièrement les communications du festival. 

Et comme chaque année, les festivaliers retrouveront les farcidures, spécialité corrézienne à base de pomme de terre, servies lors du repas dominical avant le spectacle de clôture. 

Vendredi 10 juillet 2026

Samedi 11 juillet 2026

Lieu : La Boîte en Zinc, un “zénith à ciel ouvert”

Le festival se déroule dans le nouvel espace en plein air de La Boîte en Zinc, un site de 7 923 m², dont 3 500 m² ont été aménagés en verger avec les Croqueurs de Pommes. Un véritable « zénith à ciel ouvert » selon les organisateurs.

Pourquoi la patate est-elle si présente ?

Le Festival aux Champs n’est pas officiellement une fête de la patate, mais son identité Zapatatas, son ancrage rural et la présence des farcidures en font un événement où la pomme de terre est symboliquement célébrée. C’est cette dimension culturelle et culinaire qui lui vaut cette réputation affectueuse en Corrèze.

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Rare chanson en français dans la discographie de l’artiste, « Toi et moi » se distingue par une mélodie douce et une écriture épurée. À travers des paroles lumineuses et sincères, Naâman y exprime un message d’amour et de gratitude adressé à son public.

Le clip, réalisé dans un esprit minimaliste, capture un moment spontané : deux amis, une caméra, sans mise en scène. Cette simplicité renforce l’émotion et offre une dernière image authentique de l’artiste, fidèle à son énergie positive.

Disponible sur les plateformes de streaming et sur YouTube, « Toi et moi » s’impose déjà comme un moment fort pour la scène reggae française et pour les nombreux fans de Naâman.

 

Video by Mood Supachild Edit by Faya Burn Color Grading by Guillaume Agostini

Music by Fatbabs & Naâman Acoustic Guitar : Quentin "Badman" Dupont Electric Guitar : Emmanuel Eveno Solo Guitar : Naâman Keyboards : Julian Mauvieux Bass : Thomas Cirade Drums : Simon Roger

Recording Engineers : Alexis "Exl" Mischler & Damien "Bobby" Coutrot Vocal Engineer : Alexis "Exl" Mischler Mixing Engineer : Vincent Audou Mastering Engineer : Samuel Berdah

© 2026 Big Scoop Records

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Sous les arbres des Jardins du Carmel, à deux pas de l’Observance, une troupe débarque cet été avec l’énergie des saltimbanques et la précision des horlogers. La Compagnie Le K, menée par l’infatigable Simon Falguières, installe son théâtre de tréteaux au Festival Avignon Off, du 4 au 23 juillet 2026, chaque soir à 19h40 (relâche les 10 et 17). Et elle n’arrive pas les mains vides : un spectacle incandescent, Molière et ses masques, et une toute nouvelle identité visuelle fraîchement dévoilée.

Un Molière vif, politique, joyeux — et terriblement vivant

Dans cette comédie-fable qui traverse la vie et la mort du dramaturge, Falguières retrouve ce qui fait la force de son théâtre : le mélange des genres, l’allégresse du jeu, la profondeur sous la farce.

Six comédiens — Antonin Chalon, Louis de Villers, Anne Duverneuil, Charly Fournier, Victoire Goupil et Manon Rey — virevoltent d’un rôle à l’autre, incarnant tour à tour Molière, Madeleine Béjart, Louis XIV, Anne d’Autriche, les faux dévots et une galerie de courtisans.

Le rythme est effréné, la musique omniprésente, les masques surgissent comme autant de révélateurs. Une pièce pensée pour l’itinérance, pour le plein air, pour la troupe — une utopie joyeuse revendiquée.

Ce qu’en dit la presse

Libération — Copélia Mainardi (09/09/2024)

« Les comédiens, tous excellents, jonglent entre les masques, les rôles et les registres sans que jamais leur valse n’étourdisse : seul déborde le plaisir du jeu, dans lequel naît le rire. »

Télérama — Fabienne Pascaud (14/01/2026, TTT)

« Plus que la vie sentimentale du dramaturge, Simon Falguières creuse ici sa relation au pouvoir, son travail d’écriture, sa tragique lucidité. Une biographie-farce étonnante de profondeur et de gravité. »

Deux regards qui disent bien la singularité du projet : un Molière ludique, mais jamais léger ; un théâtre populaire, mais jamais simpliste.

Le K se réinvente : une nouvelle identité visuelle

Le résultat :

• une esthétique plus nette, plus contemporaine,
• des typographies originales qui évoquent le plateau,
• un site web entièrement repensé, plus clair, plus vivant, à l’image de la troupe.

Une manière de rappeler que Le K est une compagnie en mouvement, toujours en recherche, toujours en invention.

L’équipe artistique

Administration, production, diffusion : Martin Kergourlay & Justyne Leguy Genest Communication : Romane Bricard Presse : Bureau Nomade — Patricia Lopez, Carine Mangou, Estelle Laurentin
Coproduction : Les Plateaux Sauvages, Le Trident — Scène nationale de Cherbourg-en-Cotentin Soutiens : Le Moulin de l’Hydre, Les Tréteaux de France — CDN, ODIA Normandie

Infos pratiques

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Voilà un disque qui joue grave et à 100 à l'heure ! On adore le feeling et la flamboyance du leader Matt Pascale ! Encore une belle pépite qui nous arrive du légendaire label Dixiefrog.

• Matt Pascale (chant, guitare)
• Matteo Magnaterra (basse)
• Rishi Yildiz (claviers)
• Elia Squartini (batterie) → Une formation cosmopolite : Italie, Turquie, Suisse

Matt Pascale & The Stomps frappent fort avec Home

Un blues-rock brut, incandescent, porté par une voix qui déchire le silence. Pas d’artifice, juste de l’émotion pure, du grain, du vrai. Un titre habité, qui rappelle que la sincérité peut encore bousculer la scène rock/soul.

🎧 À écouter fort. Très fort. 🎬 Clip officiel : Home (2025)

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Lauréate de deux prix JUNO et du Félix du Meilleur Album Jazz, Dominique Fils-Aimé s’est imposée par une voix chaleureuse et une écriture engagée, à la croisée du jazz, de la soul et du blues. Son dernier opus Our Roots Run Deep (2023), œuvre introspective et poétique, lui a valu le prix JUNO 2024 du Vocal Jazz Album of the Year.

 

Avec « Going Home », Dominique Fils-Aimé explore les racines afro-américaines tout en ouvrant son univers à des formes plus introspectives et contemporaines. Le morceau se présente comme une ode à la liberté, qu’elle soit sonore, créative ou spirituelle.

 

Ce single annonce la sortie de My World Is The Sun, un album qui s’intéresse à l’essence du processus créatif et à la quête de liberté intérieure. Dominique inaugure ainsi une nouvelle ère artistique, après une première trilogie d’albums saluée par la critique internationale.

 

Sur scène, Dominique Fils-Aimé offre une expérience immersive et spirituelle. Son passage remarqué au Festival International de Jazz de Montréal a été immortalisé dans son premier album live (2025), confirmant son statut d’artiste incontournable.

Song written and composed by Dominique Fils-Aimé and Nans Clastrier. Vocals: Dominique Fils-Aimé Guitar: Etienne Miousse Upright bass and additional guitar: Jacques Roy Photography: Vladim Vilain Artwork: Siou-Min Julien Executive producer: Kevin Annocque Recorded at Les Studios Opus in Assomption, Canada. Produced, mixed and engineered by Jacques Roy. Additional engineering by Steeve St-Pierre. Mastered by Harris Newman at Grey Market Mastering in Montreal, Canada. © Ensoul Records, 2025.

Mer, 8 avr. 2026 La Filature Mulhouse, France

Mar, 7 avr. 2026 La Maroquinerie Paris, France

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Dès les premières secondes, Comment t’as pu t’en aller ? impose son identité : une ouverture électro‑rock, des riffs de guitare aux accents seventies, une énergie brute qui ne cherche pas à arrondir les angles.

IZAE y explore la colère, cette étape du deuil trop souvent tue, mais pourtant essentielle. Ici, elle explose. Elle se hurle. Elle libère.

Le morceau se déploie comme un exutoire, un défouloir émotionnel où la voix saturée et les guitares incisives traduisent le poids de l’absence, ce vide qui ronge et qu’on tente d’expulser à pleins poumons.

Le clip, lui, prolonge cette atmosphère dark et nerveuse, jouant sur les contrastes et les tensions internes pour donner corps à cette lutte intérieure.

Autodidacte, Izae façonne ses premières maquettes dans sa chambre d’ado, sous les regards de Bowie, Indochine et Étienne Daho. Après un passage à l’école ATLA, il se fait remarquer avec Entre tes mains, réalisé par Dombrance, avant d’assurer les premières parties de Julien Doré (2018) puis Hoshi (Olympia, 2019).

Son premier EP Amor à mort (2022) installe une pop pastel et sensible, suivie d’une série de concerts remarqués à La Bellevilloise, au Cargo de Nuit, et d’une collaboration avec John Cameron Mitchell.

En 2024, il plonge dans un univers nocturne post‑eighties avec Minuit FM, qui l’emmène en première partie de Superbus au Casino de Paris et jusqu’à un sold‑out à La Boule Noire.

2026 marque un tournant : IZAE revient avec Super tard, un EP plus brut, plus électrique, réalisé avec Arthur La Bête (Bagarre). Un projet où se mêlent perte, deuil, colère et espoir, porté par une urgence rock et une sensibilité contemporaine qui font d’Izae une figure montante, à la fois rebelle et profondément humaine.

Un nouveau chapitre s’ouvre

Avec Comment t’as pu t’en aller ?, Izae confirme son virage artistique : plus sombre, plus viscéral, plus vrai.

Un titre qui frappe fort, qui touche juste, et qui annonce un EP à surveiller de très près.
 

🎬 Le clip est disponible dès maintenant. 🎧 Le single est en écoute sur toutes les plateformes.
 

 

Réalisation : Klément Huko Production : Latérale Pop Production exécutive : Yoka Music Pro Chef de projet Izae : Thomas Fournier Galle Chef opérateur : Anatole Sarrazin MUA : Lucie Graff Montage : Johan Gayraud Étalonnage : Anatole Sarrazin Graphisme : Naima Erhart Renfort : Sarah Clauteaux Quijada Chorégraphe : Charlie d'Emilio Danseur.euse.s : Charlie d'Emilio Nina Vernin Sixtine Manigot Emma Cothenet Titre écrit, composé et interprété par Izae Arrangements : La bête Guitares : Grégoire Theveny Mix : Jennifer Gros Mastering : Matthieu Lefèvre Label : Latérale Pop Distribution : Wiseband Relations Presse : Ephelide

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 “So Samba” : Vicente e Marianna, un voyage à Bahia avec le cœur en bandoulière

Avec So Samba, leur nouvel album attendu pour le printemps, Vicente e Marianna nous invitent à un voyage sensoriel où la chanson française se mêle aux rythmes du Brésil avec une évidence presque naturelle. Le duo, déjà remarqué depuis son premier album en 2021, revient avec une proposition artistique plus aboutie, plus ample, plus lumineuse. Une musique qui ne cherche pas à séduire par l’esbroufe, mais par la chaleur, la poésie et l’élégance.

🌍 Une “Sauce Samba” douce et pimentée

Dès les premières notes, So Samba installe une atmosphère à la fois sucrée et épicée, comme un plat que l’on connaît déjà mais que l’on redécouvre sous une lumière nouvelle. Le duo revendique une esthétique métissée :

• Samba,
• Bossa nova,
• Electro-pop,
• Chanson française,
• le tout chanté en français et portugais, dans un tissage vocal d’une grande douceur.

Cette fusion n’est jamais forcée : elle coule de source, comme si les deux cultures avaient toujours été faites pour dialoguer. On y retrouve ce que les Brésiliens appellent le cafunè, ce geste tendre dans les cheveux, que le duo transforme en image musicale. Une caresse sonore.

🎧 Entre compositions et hommages

Le disque alterne créations originales et reprises soigneusement choisies, témoignant d’un profond respect pour les deux traditions musicales qu’il embrasse.

Les compositions

Parmi elles, “J’entends cette musique”, déjà repérée sur la compilation French Bossa Nova du prestigieux label Putumayo World Music, confirme la capacité du duo à écrire des chansons à la fois accessibles et raffinées.

Les reprises

Vicente e Marianna revisitent avec délicatesse :

• Georges Moustaki,
• Barbara,
• Dick Annegarn,
• Chico Buarque,
• Tom Jobim.

Ces choix ne doivent rien au hasard : ils incarnent précisément ce pont entre la France et le Brésil que le duo explore depuis ses débuts.

🎤 Un duo qui s’affirme

Après un premier album diffusé sur FIP, RFI ou encore Radio Quota, et une incursion remarquée dans la série L’Amour flou avec la chanson “Dernier-vous” (interprétée par Romane Bohringer et Philippe Rebbot), Vicente e Marianna franchissent une nouvelle étape.
Avec So Samba, ils affirment une identité artistique claire : une musique chaleureuse, poétique, profondément humaine, portée par deux voix qui se répondent, se complètent, se cherchent et se trouvent.

🌞 Bahia comme horizon

L’article évoque Bahia comme une destination symbolique : un lieu où la musique est un langage quotidien, où la joie se mêle à la mélancolie, où la batucada pulse comme un cœur collectif. C’est exactement ce que propose l’album : un voyage, mais un voyage intérieur, intime, où l’on se laisse porter par les couleurs, les parfums, les rythmes.

🎯 Un projet qui appelle la rencontre

Le duo exprime clairement son désir d’aller à la rencontre du public, des médias, des programmateurs. Chroniques, interviews, présentations : So Samba est un projet ouvert, généreux, qui appelle l’échange autant que l’écoute.

⭐ Verdict

So Samba n’est pas seulement un album : c’est une invitation à ressentir, à se laisser traverser par la douceur et la lumière. Vicente e Marianna réussissent le pari délicat de faire dialoguer deux cultures sans jamais les opposer, en célébrant ce qu’elles ont de plus tendre, de plus vibrant, de plus universel.
Un disque qui réchauffe, qui apaise, qui sourit. Un disque qui fait du bien.

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Après « Popsychomane » et « Demain j’arrête », le phénomène de la pop française revisite avec espièglerie les mélodies de notre enfance. Il veut nous inciter à garder notre coeur d’enfant et nous rappel que la vie est faite de légèreté.

Le titre est composé par Jérome Boirivant (projet Diligence), guitariste globe-trotter ayant collaboré avec des grands noms tels que Pauline Croze, Melvin Van Peebles, Mickael Youn ou encore Gad Elmaleh. Il est le partenaire de Julo Bocher dans ce projet musical.

 

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Avec son groove chill et solaire, porté par une douce nostalgie façon Super 8, le titre mêle mélancolie et positivité. Comme un sourire après les larmes, La Vita e Bella incarne le calme après la tempête, l’arc-en-ciel après la pluie.

 

Depuis une quinzaine d’années, La Cafetera Roja perpétue son indéboulonnable romantisme européen. Né des quartiers bigarrés de Barcelone, le groupe s’est imposé avec une énergie contagieuse, une musique polyglotte (anglais, espagnol, catalan, allemand…) et un refus farouche des étiquettes.
  Ni rock, ni trip-hop, ni reggae, ni rap, ni chanson, ni jazz, ni latino… et un peu tout cela à la fois. Leur style pourrait se résumer par un terme : jam style. Mais pourquoi vouloir enfermer une liberté indomptable ?

 

Après des débuts teintés de trip-hop dans la lignée de Morcheeba ou Massive Attack, La Cafetera Roja a gagné en intensité et en électricité. Leur musique est devenue plus vivante, joyeuse et up-tempo. L’arrivée de nouveaux membres à la guitare et au violoncelle a enrichi les vibrations, sans altérer l’essence du groupe : une cafetière toujours intacte, prête à faire bouillir les planchers.

 

La Cafetera Roja revendique une identité profondément scénique. C’est sur scène que le collectif recharge ses batteries et révèle toute sa puissance. Leur engagement est à haute teneur énergétique, une véritable fête musicale qui transcende les frontières et les genres.

 

• Titre : La Vita e Bella
• Disponibilité : Single déjà en écoute sur les plateformes
• À propos du groupe : Collectif multiculturel (France, Autriche, Espagne…) actif depuis 15 ans, polyglotte et inclassable
• Réseaux sociaux : Facebook, YouTube, Instagram

Mix : Mathias Chaumet Mastering : Yves Roussel Réalisation clip : Jolyon Perret Auteurs compositeurs interprètes : Aurélia CAMPIONE, Anton DIRNBERGER, François GONNET, Alexandre PERONNY, Pierre-Jean SAVIN, Gines RODRIGUEZ GUIRADO, Mathis BOUVERET AKENGIN.

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Mocassin à gland dévoile une écriture intime et précise, où le quotidien devient matière à images et à rimes.
Le morceau mêle anecdotes personnelles et touches d’élégance : trenchs Burberry, mocassins à glands, plantes et chat Mouss Mouss.

Avec un style minimaliste et maîtrisé, il transforme la simplicité en force et impose son identité artistique. Le clip, sobre et travaillé, illustre la dualité entre intimité et ambition. 

Mocassin à gland trace la route vers un EP où émotions et authenticité priment. Joey Larsé confirme son attachement indéfectible à la musique et sa singularité dans le rap français. Un retour affirmé, entre poésie du quotidien et élégance assumée.

 

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Après le EP Maelström Metronomy sorti l'année dernière, Franck Marchal s'impose comme l'un des grands noms de la scène électro française dans la lignée des compositeurs néo-classiques comme Max Richter, Nils Frahm, Ludovic Einaudi... ou des grands noms de l'électro planante comme Jon Hopkins, Superpoze, Rone et bien d'autres.

Avec Passing Road, Franck Marchal offre une musique qui transcende la solitude et invite à la contemplation. Il ouvre la porte d’un monde intérieur où chaque note a une histoire à raconter.

Sa musique devient un véritable voyage intérieur. Chaque morceau fait naître une émotion, et chaque silence offre un moment de réflexion. L’expérience est à la fois intime et lumineuse.
 
 

🌐 Site officiel

💿 Album associé : Passing Road

• Sortie prévue : 7 novembre 2025

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À mi-chemin entre les nappes électroniques de M83, les orchestrations sensibles de Alexandre Desplat et la pop fragile de Christophe, Boy Calypso façonne une musique cinématographique, où chaque morceau s’écoute comme un court-métrage intime.

Je Me Réveille occupe une place particulière : premier titre écrit après un burn-out, il symbolise un renouveau. Entre guitares, synthés et envolées orchestrales, le morceau traduit ce moment fragile où l’on retrouve l’élan d’avancer. Le clip accompagne cette renaissance avec une esthétique à la fois épurée et lumineuse.

Pensé comme un voyage émotionnel, l’EP décline une pop électro-orchestrale teintée de mélancolie optimiste, explorant peurs, espoirs et beauté du monde.

Avec Je Me Réveille, Boy Calypso signe une œuvre sincère et immersive, où la fragilité devient force et où chaque note éclaire l’après-tempête.

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Le vendredi 05 juin à 20h, la salle de l’Archipel s'apprête à vivre un moment suspendu. L’auteur-compositeur-interprète David Delabrosse choisit la scène parisienne pour présenter son nouvel album, Les Mots Modernes, un opus qui confirme sa place singulière dans le paysage de la chanson française contemporaine.

Un duo complice pour une date parisienne unique Accompagné par son fidèle complice Denis Piednoir, David Delabrosse propose une orchestration d’une grande pureté. Deux guitares acoustiques, deux voix entrelacées et une discrète boîte à rythmes suffisent à créer un écrin sonore à la fois moderne et intemporel. Cette simplicité volontaire met en lumière la force des textes : un regard lucide, parfois incisif, mais toujours poétique sur notre époque et l'intimité de nos vies.
 

Humour et réflexion sur le temps qui passe Bien plus qu’un simple concert, ce spectacle à Paris est un échange vivant. Entre les titres, les deux musiciens dialoguent avec une autodérision savoureuse sur leur différence d’âge, thème moteur de ce dernier album. Cette complicité irrigue la soirée, transformant la mélancolie des « mots modernes » en une célébration de l’instant présent.
 

Artiste discret mais essentiel, David Delabrosse baguenaude depuis vingt ans entre chansons ciselées et projets audacieux. Ce rendez-vous à l’Archipel est une invitation rare à découvrir son univers en solo, où chaque note et chaque mot résonnent avec une justesse bouleversante.

Réservations :

• Lieu : L'Archipel, 17 Bd de Strasbourg, 75010 Paris

• Date : 05 juin à 20h00

• Contact : Billetterie de l'Archipel et points de vente habituels.

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Dès les premières notes, le morceau installe une atmosphère intime et apaisante. Le piano élégant de Wassim Soubra laisse respirer chaque nuance tandis que la voix douce et aérienne de Sienna Dahlen apporte profondeur et chaleur à l’ensemble. Ensemble, les deux artistes construisent une œuvre minimaliste où chaque silence possède une véritable importance.
 

Le clip accompagne parfaitement cette sensibilité musicale grâce à une réalisation épurée, faite de lumières tamisées, de mouvements lents et d’images contemplatives. Cette approche visuelle renforce la dimension émotionnelle du morceau sans jamais détourner l’attention de la musique.
 

À travers I Could Bring You Flowers, Wassim Soubra poursuit son exploration d’un univers mêlant jazz moderne, influences classiques et textures cinématographiques. La collaboration avec Sienna Dahlen apporte une douceur organique qui donne au titre toute sa singularité.

Une création raffinée et immersive qui invite à ralentir et à se laisser porter par l’émotion.
 

Lien digital officiel

Composition & Piano : Wassim Soubra Lyrics & Voice : Sienna Dahlen Video Directed by : François - Xavier Antonini Actors / Dancers : Alexia Barré & Guillaume Cursio

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Avec The Wave, Ziyad Al‑Samman surfe sur une vibe résolument solaire. Le morceau s’appuie sur :

• une basse nonchalante, groovy à souhait, qui n’aurait rien à envier aux meilleures heures de LCD Soundsystem,
• un mélodica pop et fantaisiste, clin d’œil évident à l’univers ludique et coloré de Gorillaz,
• une énergie décontractée, presque estivale, qui enveloppe l’auditeur dès les premières secondes.

Le résultat : un titre qui respire la liberté, la spontanéité et l’envie de danser sans réfléchir. Ziyad y déploie une écriture à la fois simple et malicieusement efficace, portée par une production qui joue sur les contrastes entre groove et légèreté.
🎧 The Wave est disponible sur toutes les plateformes.

⭐ Un artiste fantasque, attachant… et en pleine mutation

Ziyad Al‑Samman s’est fait remarquer en 2024 avec son EP Pleasure Complex, où il dessinait les contours d’une glam‑pop aux relents disco, taillée pour la scène. Ses concerts — dont un passage remarqué à la Salle de la Cité pour l’ouverture des Trans Musicales de Rennes — ont confirmé son goût pour une pop qui fait danser, qu’elle puise ses influences en Angleterre, aux États‑Unis ou autour du bassin méditerranéen.
Mais pour son premier album, l’artiste a choisi d’explorer de nouveaux territoires.
Fini le personnage du grand échalas à banane, moustache et chemise rouge. Ziyad s’aventure désormais vers des zones plus sombres, introspectives et inattendues, sans renier son sens du spectacle ni son humour singulier.
The Wave en est la preuve : un titre lumineux, mais traversé par une profondeur nouvelle.

📌 Ziyad Al‑Samman : à suivre de très près

Entre son identité visuelle marquée, son sens du groove et sa capacité à surprendre, Ziyad Al‑Samman s’impose comme l’un des artistes pop les plus excitants de la scène londonienne actuelle. The Wave confirme que son premier album sera un rendez‑vous incontournable pour les amateurs de pop inventive et décomplexée.

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Derrière Litiges! se cache Vinz Noise, auteur, compositeur et producteur qui transforme son vécu en matière sonore et visuelle. Né d’une période de rupture et de reconstruction personnelle, le projet s’impose comme une exploration intime de nos fragilités contemporaines : fatigue mentale, solitude numérique, besoin de rédemption et droit à l’imperfection.
 

Premier extrait de cette aventure, You’re freakin’ me out dévoile un univers dense, entre tension rock et textures électroniques. Le son navigue entre la noirceur de Ghinzu, l’élégance d’Archive et la finesse de The Notwist.
 

Sur le futur EP I wanna be a diamond, cinq morceaux sur six intègrent une batterie analogique enregistrée à Los Angeles par Florian Gouello, apportant une énergie organique au projet. Le travail de Cloon enrichit l’ensemble grâce à des textures et un beatmaking subtils.
 

Pensé comme un refuge pour celles et ceux qui refusent les jugements faciles, Litiges! affirme une identité sincère, frontale et profondément humaine. Un projet à suivre de près jusqu’à la sortie de l’EP en janvier 2027.

Lien digital officiel

Music Production Produced by Vinz Noise / Engineered by Léandre Etienne / Lyrics by Vinz Noise & Robert Grice / Composition by Vinz Noise / Vocals, guitars, bass by Vinz Noise / Drums produced and engineered by Florian Gouello / Mastered by Nicolas Risser (Kilohertz.fr) litiges-official.com / ℗ 2026 Noir Oblique Records © 2026 Litiges Audiovisual Production © February 2026 – Noir Oblique Records & Line and Lens

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Une chanson née d’une grève… et qui devient le fil conducteur d’un album entier

L’histoire commence un jour de grève de train. Bloqué, sans solution, Sylvain Reverte trouve refuge au Minimal Studio grâce à l’accueil d’un ami, Alexandre Finkin. Quelques heures de répit, une guitare, et soudain les premiers accords. Puis les mots, immédiats : « Il y aura toujours des pommes au sol et des étoiles au firmament. »

Cette chanson, écrite d’un jet, parle du destin, de ce qui semble tracé, et de ces détours inattendus qui redonnent du sens. De retour à Agen, Reverte comprend que ce morceau n’est pas anodin. Peu à peu, l’imaginaire des pommes et des étoiles s’infiltre dans les autres textes, comme une ligne de chemin de fer reliant les neuf titres du disque. L’album trouve alors son nom, son axe, sa lumière.

Un album de 9 titres, entre humanité, nostalgie et souffle poétique

Enregistré entre Moncaut (47) et Rivesaltes (66), Des Pommes & des Étoiles s’ouvre sur son titre éponyme, une ballade rythmée qui évoque les opposés : les puissants et les fragiles, la gravité et la légèreté, le terrestre et le céleste.
Le voyage se poursuit avec Vous Reviendrez Vous Asseoir, appel à la reconnexion humaine loin des écrans, puis Entre deux coups d’archer, morceau essentiel sur la présence et le lien.

Avec L’as-tu entendue partir, Reverte aborde le deuil avec une douceur rare. La Grande Traversée, elle, se fait ode à la vie, à ses obstacles, à ses promesses.
Plus loin, Seule déploie une ambiance 80s (DX7) pour raconter la solitude d’une femme âgée. Le Lac convoque les étés d’enfance et la disparition des lieux de liberté. J’aime ces gens célèbre celles et ceux qui inspirent, sur une électro-pop lumineuse. Enfin, Pomme, pomme clôt l’album sur une note champêtre, presque malicieuse.

Un artiste de scène, un passeur, une voix qui relie

Originaire d’Agen, Sylvain Reverte sillonne la France depuis ses débuts au sein du Manège Grimaçant, du Duo Grim ou du conte musical L’Enfant Porte. Il a partagé la scène avec Francis Cabrel, Gérald De Palmas, Sanseverino, Cali, Raphael, Daran, Dick Annegarn, et s’est produit dans des salles et festivals majeurs : Casino de Paris, Zéniths, Dôme de Marseille, Européan, Francofolies, Avignon, Pause Guitare, Nuits de Champagne…

Depuis 2009, il transmet également son savoir-faire au sein des ateliers d’écriture de Voix du Sud, l’association fondée par Francis Cabrel.

Après Un homme dans l’ombre (2014, Coup de Cœur Francophone) et Soleil Rouge (2018, demi-finaliste Prix Georges Moustaki), Reverte poursuit ici une quête de poésie habitée, sincère et lumineuse.

 

FÉVRIER • Jeudi 12 février — Anglet (64), Écuries de Baroja
MARS • Jeudi 12 mars — Mont-de-Marsan (40), Festival Chantons sous les Pins • Vendredi 13 mars — Bordeaux (33), Théâtre de l’Inox (Bordeaux Chansons)
AVRIL • Samedi 4 avril — Laplume (47), Foyer rural
MAI • Samedi 23 mai — Tonneins (47), La Gabarre

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